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Jun 25, 2023

ジョン・シューラー: ウーマン・イン・ザ・スカイ (1960) がベリー・キャンベルでオープン

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ジョン・シュラー|ウーマン・イン・ザ・スカイ (1960) がベリー・キャンベルでオープンベリー キャンベル ギャラリーは、抽象表現主義者による 19 点の絵画と紙の作品を展示します。ジョン・スクーラー （ミルウォーキー、1916-1992）。 幻想的で抽象的な空の絵画で知られるベリー キャンベルは、1960 年代のこれまでめったに見られなかった具象作品の展覧会を企画しました。 これらの絵画の多くは、1967 年にボルチモアのメリーランド研究所での展覧会以来公開されていませんでした。シューラー自身は、これらの絵画を「風景から現れる女性」、そして私たちが「空の女性」と呼ぶものと表現しました。 11月17日木曜日午後6時から8時まで、チェルシーのベリー・キャンベルで開催されるジョン・シューラーと彼の「空の女性たち」の絵画を祝うイベントにぜひご参加ください。 展覧会は2016年12月23日まで開催されます。

ジョン・シューラーが 1951 年 8 月にニューヨークに到着したとき、彼は当初、サンフランシスコのカリフォルニア美術学校で最近学んでいたクリフォード・スティルのスタジオに住んでいました。 ニューヨークでは、シューラーはすぐにダウンタウンのアートシーンの一員になりました。 彼の友人には、フランツ・クライン、マーク・ロスコ、アド・ラインハルト（カリフォルニアで知り合いだった）、レイモンド・パーカー、バーネット・ニューマンが含まれていた。 シダー バーに頻繁に通い、クラブの一員となり、当時の興奮と冒険の精神を吸収して、彼はパレット ナイフでジェスチャー的にレンダリングされた大型のキャンバスを作成しました。 これらは1954年にエレノア・ウォードが経営する歴史あるステイブル・ギャラリーで、1957年にはレオ・カステッリの真新しいギャラリーで展示された（シューラーのギャラリーでの初個展はシューラーのものであった）。 シューラーは、ジョーン・ミッチェル、グレース・ハーティガン、ジェームス・ブルックスなどの芸術家と並んで、抽象表現主義の第二世代の最も著名な人物の一人として知られるようになり、抽象表現を新たな方向に拡張し、しばしば自然界を取り入れました。

シューラーの人生と芸術に転機が訪れたのは 1957 年 9 月で、彼はスコットランドに向けて出航し、スカイ島の向かいにある西海岸の小さな漁村マレーグにスタジオを設立しました。 シューラーは第二次世界大戦に従軍中にスコットランドを訪れていたが、彼はB17の航法士として主にフランスとドイツ上空を飛行していた――その選択のきっかけとなったのは、戦時中に恋愛関係にあった女性の証言だった。 彼女は彼の心に「形と色」の強力な視覚的イメージを植え付け、それを追求するように感じさせた。1 彼が望んでいたのは「自然について、特定の条件の下で何かを理解しようとすること」であり、「文字通り自然を克服し、自然を獲得する」という願望を持っていた。それを超えて……それを受け入れる以外の何ものでもない。」2 マレーグでは、空だけがシューラーの芸術の旅の手段となった。 彼にとって、自然は空であり、人生そのものそのものであることに気づきました。 マレーグでのシューラーの経験の記録は、1957 年から 1979 年までの彼の生涯を爽快に描いた『スリートの音』に収録されており、シューラーの死後に編集され出版されました。 3 シューラーの友人である小説家のラッセル・バンクスは、その序文で次のように説明しています。 「アメリカ芸術家の想像力の肖像」という本は、手紙や日記の内容を年代順に並べた「コラージュ」だが、しばしば過去の思い出や物語が倍増している（シューラー氏は英国文学の修士号を取得）ウィスコンシン大学、一時は作家になる予定だった）。 マレーグでの経験について、シューラーは次のように書いています。

私はマレーグの空を熱心に観察しました。そして、そのけいれん的な動きと変化とドラマの中に、活動の集中が見られ、それが私にとってすべての空、そしてすべての自然の概念にさえなりました。 。 。 そこには時間と動きがあり、陸地が形成され、海が消え、世界が断片化し、色が現れたり燃える形を生み出したり、山の雪が現れたりしました。 。 。 。 私は米国を離れる前に、空と国を作成しました。 。 。 私は、同じ見晴らしの良い場所から海を眺めながら、毎日毎日この絵の中で暮らしたいと思っていました。 そうすれば、海と空が、陸地の端から眺めたときと同じように大きく迫ってくるでしょう。 。 私は地平線上に細長い土地が欲しかった。そうすれば、そこを横切る空の動きを観察したり、空が海と融合するときにその消滅を研究したりできるからである。4

シューラーの空の絵画は、バランスを保った生と死の渦から、静けさが強調された水平方向まで変化しており、今日では彼の最もよく知られた作品となっています。

ミルトン・エイヴリー、ロスコ、ウィレム・デ・クーニングの作品との共鳴として引用される絵画を制作し（シューラーは1975年にクリーブランド美術館でエイヴリーとロスコとの展覧会に出品されることになる）、シューラーは芸術を特徴づける弁証法的な交流に参加した。 20世紀半ばの。 同時に、彼はロマンチストでもあり、その芸術と感性は 18 世紀から 19 世紀のロマン主義の伝統と一致していると見なすことができます。 スティルがサンフランシスコの授業にJMWターナーの絵画の画像のポートフォリオを持ってきたとき、シューラーが圧倒され、本能的に反応したのは当然だ。 彼はまた、スティルの芸術の激しさと情熱に親近感を覚えました。 シューラーは、スティルが自分のスタジオの壁に巨大な絵画4枚を掛けたときの反応を回想した。 」

今回の展覧会で取り上げられる、シューラーが 1962 年から 1967 年にかけて制作した女性像の絵画群は、最初はスコットランドの空の風景から浮かび上がりました。 1957 年 12 月、彼は日記に「風景の中から現れる女性」を描く計画について書いています 6。『スリートの音』でアイデアを練り上げながら、彼にとって「男性」は本質的に道徳的な力ではなく、道徳的な力であると思索しました。 「誕生、地球、欲望、熱、怒り、官能的、悪、肉、美、希望、愛、慰め（？）」を表す「女性」に。 7 女性と自然の間の芸術における長いつながりによって条件付けられているかどうかにかかわらず。おそらくシューラーは人間の存在の意味を探るために長い間自然と格闘してきたため、このつながりはシューラーにとって自然なものでした。 彼が追求したのは、「女性を描く道徳的性質の官能的な男性」を捉えることでした8。しかし、彼は 1962 年の夏までこの主題を追求しませんでした。そのとき彼は、その人物を基礎としていくつかのキャンバスを描き始めました。その中には赤い雪もありました。雲と青空。 ここでは、女性の姿が不完全な自然から具体化し始めるという有機的なプロセスが起こっているように見えます。 芸術家は、対象を観察するというよりも感じるかのように、繊細に筆を動かしました。

夏の終わり、メイン州ストニントンへの旅行中に、シューラーは女性を描くことに全神経を集中したいことに気づきました。 彼はこうなった経緯を次のように説明した。「私は自然をテーマにしているので、ニューヨークでは何も描くことができないといつも思っていました。今では女性がニューヨークにいることを知り、私と同じくらいの情熱を持ってそれを描くことができます」シューラーは、生涯で関係を持った 1 人か 2 人の女性、特に短期間結婚したメアリーを含むさまざまな女性をイメージの基にしました。 他の被写体は彼のスタジオを通過するモデルでした。 それにもかかわらず、これらの絵は特定の個人を描いたものではなく、シューラーにとって女性に対する感情と格闘するためのものです。 彼はマリアを描いている時点で、「それでも彼女から自分を解放しようとする葛藤を受け入れている」と書いている[11]。シューラーは『マリア: 横たわる裸婦』において、ティツィアーノ以来の美術における横たわる裸婦の長い伝統を引き継いでいる。 しかし、彼女は視線で見る者を誘うのではなく、安らかに首を傾げています。 彼女の体はリラックスした位置にあり、脚を開いて作品の前景を提供しています。 鑑賞者の目は、乳房と頭を形成する暗い絵の具の跡と対照的な、精力的だが薄い筆致の領域によってキャンバスの周りに向けられます。 ここや他の絵画で、シューラーは風景のレンズを通してその人物を想像しました。 1963年1月3日の『サウンド・オブ・スリート』の日記の中で、彼はメアリーが外出からスタジオに戻ってきたときのことを書いている。 彼は「どうしたの、ベイビー？君はとても小さく見えるよ。」と尋ねました。 「私は午後中ずっと、キャンバス上のマリアの像と一緒に暮らしていました。その空想のイメージは、前夜、目の前から彼女の体まで夢のように広がっていました。胸は山のようなもの、腹は巨大で、太ももは巨大でした」肉の平原、赤く染まる風景、秋の黄色、混乱してけいれんする。」

デ・クーニングと同様に、シューラーは感情を表現し、矛盾を解決するために絵画プロセスを使用しました。 1964年、彼は次のように述べた。「女性の皆さん、私は女性を人生の一部としています。私は女性を愛し、必要としていますが、女性に呪われています。今、女性を描いているので、ますます女性が必要です。絵を通してではありますが、デ・クーニングの絵画における破線、斬り込み、激しい筆致、激しい色のコントラストの代わりに、シューラーは官能的な輪郭と、熱い色合いと冷たい色合いの両方の油彩を使用しました。彼は純粋さを保ちながら、柔らかいトランジションと明るい半透明の領域を適用しました。 彼の絵は怒りではなく喜びを表現しています。 シューラーは、愛の「高揚感と力強さ」を感じる手段として筆のタッチを使うことを認めた[14]。同時に、絵の具やキャンバスから距離を置くことで、「感傷と罪悪感の蜂の巣に巻き込まれることを避けることができ、 「ソニアと紫の丘と青い空」（1964 年）では、画家の筆の柔らかな動きが、彼が上向きに配置した人物の一部を愛情を込めて表現しているように見えます。風景の中のスピリチュアルなゾーンへ向かう動き。 レモンイエローとカドミウムイエローはソニアの胸の間に差し込む太陽光を表しており、彼女の髪は水のような動きで人物の頂点から流れています。 この絵では、ソニアは山のような堅固さを持つ記念碑的な存在になっていますが、彼女の表現はプライベートで瞑想的です。 彼女は人里離れた場所にありますが、穏やかで休んでいるように見えます。 同時に、シューラーのイメージは、女性の健康、人相、セクシュアリティの問題が新たにオープンになった時代の性革命に関連している可能性があります。

1964 年の他の作品では、シューラーの人物像が風景の中にもっと完全に溶け込んでいます。 「スケッチ: 風景と人物」では、女性の上げた膝が地平線の暗示を打ち破り、色の斑点が深さと高さの変化を暗示しています。 Phyllis では、下から見た図が表示されます。 その姿は星座のようになり、天空のような輝く雰囲気の中に溶け込んでいる。 シューラーが 1965 年と 1966 年の画像でその姿を徐々に空に押し戻していくと、その姿はさらにとらえどころのないものになった。 『女と青空』 (1965) には、無重力の人物像のかすかな光が見られます。 『柔らかなブレンダ』（1966）では、シューラーが絵画的な自発性でこの主題に対する反応を伝えたため、片方の胸の曲率は人物と地面を区別する数少ない要素の一つとなっています。 女性を描いた紙上のシューラーの作品でも、同様に人物像を構成的なデザインに変換することが多く、「ヌード・スタディ II」(1966) のようにクレヨンで繊細に描いた数本の線で主題を単純化するか、彼の媒体の生来の特徴を利用して創作を行いました。 Woman Study (1966) のように、ダイナミックな全面表面。

女性の姿を自身の芸術の最前線に持ち込んだことで、シューラーは、「夏の空：アイショート湖（ニューヨーク）」（1966 年）や「ウラプールの北」（1967 年）など、主題の情熱と責任を土地と空の風景に組み込むことができました。 ）。 自然と女性像はシューラーにとって同様の目的を果たし、芸術を通じて生きることの意味を最大限に感じたいという彼のロマンチックな憧れを実現する手段となりました。

シューラーは5回結婚したが、続いたのはスコットランドの美術史家マグダ・サルヴェセンとの最後の結婚だった[16]。二人は1970年に出会い、1976年に結婚し、シューラーは8月5日に75歳で亡くなるまでシューラーの支えとなった。 1992年、9月12日に76歳の誕生日を迎える直前。シューラーとサルヴェセンは1970年から1975年までほぼずっとマレーグで暮らし、その後ニューヨークに戻った。 1960年代以降、米国とスコットランドでシューラーの芸術の多くの個展が開催され、その中にはステイブル・ギャラリーでの2回展（1961年と1963年）、1967年のボルチモアのメリーランド研究所での回顧展（彼の女性シリーズの絵画も多数含まれている）が含まれる。 ）、エディンバラのリチャード・デマルコ・ギャラリー（1971年）、エディンバラ芸術大学（1973年）、ホイットニー美術館（1975年）、ニューヨークのカタリーナ・リッチ・パーロウ・ギャラリー（1986年、1987年、1989年、1991年）での展覧会。 、シカゴのドロシー・ローゼンタール・ギャラリー（1981、1984）、カンザスシティのドリー・ゲイツ・ギャラリー（1982、1986、1991）。 死後の展覧会は、バージニア州のスイート ブライアー大学 (巡回、1999 ～ 2000 年)、ニューヨークの ACA ギャラリー (1995、1996、1999、2002、2006)、エディンバラのイングルビー ギャラリー (2000、2002、2006)、エディンバラのシティ・アート・センター（巡回、2003 ～ 4 年）、エディンバラのスコットランド国立近代美術館（2005 ～ 6 年）、ジョージア州サバンナのテルフェア美術館（巡回、2006 ～ 7 年）、およびスプリングフィールド美術館ミズーリ州アート (2009)。 2016 年はシューラー生誕 100 周年を記念し、数多くの展覧会が開催されます。 これらは、スコットランドの 11 の会場と米国の 4 つの会場、つまりマサチューセッツ州ブリッジウォーター州立大学のアンダーソン ギャラリーで開催されているか、現在開催されています。 アーカンソー アート センター、リトル ロック; フレデリック・R・ワイズマン美術館、ミネアポリス（グループ展）。 そしてベリー・キャンベル、ニューヨーク。

ベリー キャンベルは、著名なアーティストや中堅アーティストの作品を紹介し、ダウンタウンのアート界の重要な隙間を埋め続けています。 オーナーのクリスティーン・ベリーとマーサ・キャンベルは、戦後および現代アーティストの選りすぐりの作品に新たな注目を集め、これらのアーティストがどのように強力で新しい方向に進んだアイデアや教訓を持っているかを明らかにするというキュレーションのビジョンを共有しています。 ギャラリーが代表する他のアーティストや遺産は、エドワード・アヴェディシアン、ウォルター・ダービー・バナード、スタンリー・ボクサー、エリック・ディーヴァー、パール・ファイン、バルコム・グリーン、ガートルード・グリーン、ジョン・グッドイヤー、ケン・グリーンリーフ、レイモンド・ヘンドラー、ジル・ナサンソン、スティーブン・ペイス、シャーロット・パーク、ウィリアムです。ペレフドフ、アン・パーセル、アルバート・スタドラー、マイク・ソロモン、シド・ソロモン、スーザン・ヴェクシー、ジェームズ・ウォルシュ、ジョイス・ワインスタイン。

ベリー キャンベル ギャラリーは、チェルシー アーツ ディストリクトの中心部、住所 530 West 24th Street, Ground Floor, New York, NY 10011 にあります。www.berrycampbell.com。 詳細については、Christine Berry または Martha Campbell（212.924.2178 または [email protected]）までお問い合わせください。

1. Magda Salvesen および Diane Cousineau 編、The Sound of Sleat: A Painter's Life (ニューヨーク: Picador USA、1999 年)、p. 135.

2. ジョン・シューラー、「A Letter about the Sky」、1960 年春、12 ～ 14 ページ。 ジェラルド・ノードランドとリチャード・イングルビー、ジョン・シューラー: 北へ (ロンドン: メレル出版社、2002 年)、p. で引用。 17.

3. スリート湾は、スコットランド西海岸沖の狭い海路です。

4. ノールランドとイングルビー、17 ページ。

5. みぞれの音、p. 231.

6. みぞれの音、p. 25.

7. 同上。 彼は続けて、「女性から慰めを受けることはめったになかったので、それを求めるのをやめた」と述べた。

8. 同上。

9. みぞれの音、p. 135.

10. 同上。

11. みぞれの音、p. 136.

12. 同上。

13. みぞれの音、p. 147.

14. 同上。

15. みぞれの音、p. 148.

16. 二人とその関係の説明については、ホイットニー・バリエット、「Profiles—City Voices: Jon Schueler and Magda Salvesen」、ニューヨーカー誌 (1985 年 2 月 25 日)、35 ～ 51 ページを参照してください。

すべての画像 © Jon Schueler Estate

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